Retrato I

El retrato expresión por excelencia de lo humano.

Laberintos corporales en la obra de Ana Mendieta

Texto: http://www.ucm.es/info/especulo/numero33/laberint.html


Ana Mendieta fue una artista multidisciplinar, la cual empleo diferentes formas de expresar su complejo mundo interior: performances, body art, vídeos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas, es una muestra de su intensa pero corta producción.


Destacable es su producción artística Land Art o arte en la tierra. Los temas que desarrolla son el exilio, la marginación (como mujer y como hispana), la naturaleza, lo espiritual y lo femenino. Desde los inicios el cuerpo tiene una presencia destacada en la obra de Ana Mendieta, constituyendo incluso una obsesión. Su cuerpo se convierte así en una representación de la mujer víctima y como lugar sagrado.


En su serie de obras Siluetas, la creadora se centra en la naturaleza, dejando a un lado su propio cuerpo como vehículo de expresión, le interesa más la huella, el espacio ocupado antes por ella o por una idealización de la mujer, jugando con los conceptos dicotómicos de presencia y ausencia.


La prematura muerte de la artista y el carácter efímero de su obra no ha impedido que sea una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del panorama artístico internacional.

Fotosecuencia

La Escuela de Helsinki por Juan José Santos

La Escuela de Helsinki se ha convertido probablemente en la mejor de las escuelas de fotografía del mundo. No intenten encontrar un idéntico patrón en todos los artistas que la conforman salvo el haber pasado todos por las aulas de la TaiK (Taideteollinen Korkeakoulu) en la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki.


La base del éxito es considerar la cámara como una herramienta no como el fin en si, una abertura de miras en el sistema educativo y un profundo respecto por la visión personal del alumno.


En el camino al reconocimiento no se encuentran solos, además de su talento la llamada "Gallery TaiK" les apoya en la divulgación de su obra, con sede en Berlín y clara vocación por el mundo virtual.


Entre los artistas más destacados del grupo destacan Aino Kannisto (Espoo, 1973), Riitta Päiväläinen (Maaninka, 1969), Ilkka Halso (1965), Ea Vasko (1980), Janne Lehtinen (1970), Nelli Palomäki (1981), Kalle Kataila (1978) o Tuomo Rainio (1983) entre otros muchos.


Una cierta pátina impregna a la obra de estos artistas, como es la mirada poética y una serenidad en las composiciones, con total ausencia del sentido del humor, pese a ser Finlandia uno de los países más felices del mundo.

Fotografía abstracta

La fotografía abstracta como acertijo visual o como resultado de separar lo que parece de lo que realmente es:

Martin Parr por Martin Parr, un diálogo con Quentin Bajac

¿Ángel o demonio? Difícilmente dejará a ninguno indiferente.

Con gran capacidad para representar la pequeña "comedia humana", Martin Parr critica con humo, colores vibrantes y saturados nuestro mundo contemporáneo. Es uno de los fotógrafos más destacados de la actualidad, miembro de la agencia Magnum desde 1994, ganador de numerosos premios como Erich Salomon (2006) o Baumer Mercier (2008), sus trabajos sobre el estilo de vida de la clase media en Europa y Estados Unidos ha marcado la forma de mirar al mundo y fotografiar de muchos. Su método de trabajo preferido ha sido hacer un uso renovado de la sátira y el rasgo caricaturesco.

Podríamos decir que las "verdades" por las que siente predilección el autor son "verdades vulgares" pero verdades al fin y al cabo. Parr es también un fotógrafo locuaz, con clara tendencia a narrarse a sí mismo también en palabras, como muestra el artículo del título. En el libro "Martin Parr por Martin Parr" podemos encontrar otras referencias a su mundo y a su mirada:

"Lo kitsch no es algo que busque deliberadamente ni que reconozca. No forma parte de mi vicabulario. Es muy fácil hoy en día ser fotógrafo de cosas kitsch, así que me da la impresión de que ésa es una opinión bastante perezosa. [...] Las zonas de playa me gustan no porque sean kitsch, sino porque están llenas de energía, son brillantes y coloridas".

"Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas. Porque quiero incluir a mi público en todo elllo, No quiero cabrearlo, quiero atraerlo. Y, una vez interesado, podrá leer más cosas en las fotos. Lo que no espero es que mis fotos cambien nada. Eso es mu y ingenuo. La gente solía hablar antes en esos términos, pero ya no".

"He hecho mi trabajo sin pensar a qué mercado correspondía cada obra, si al periodístico o al artístico; tratando de desarrollar siempre mis ideas fotográficas. Yo no me vendo, son mis imágenes las que se venden. [...] En una carrera profesional también hay que bregar con distribuidores, circuitos, etc. Tú y yo seguramente tendríamos bastante claro quiénes podrían lograr el reconocimiento del mundo artístico, siempre que trabajara con ellos el marchante adecuado".

Y en una entrevista reciente:

"Me gustan lugares como Benidorm. No de una forma condescendiente. Me gusta realmente el brillo y el glamour que conlleva la orilla del mar".

Efectivamente eso es lo que podemos observar en algunos de sus trabajos, la democratización de un ocio de bronceado, sombrilla, tortilla y táper.

No lugar

El "no lugar" es un término acuñado por Marc Augé para definir todos aquellos sitios de transitoriedad, en donde no hay identidad ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar en si mismo.

15/10/11


El representado destaca además por su gran belleza, siendo un lugar de tránsito entre otros recintos de mayor significancia y envergadura como son la Sacristía Mayor (primera construcción de estilo renacentista en la ciudad) y la Sala Capitular de la Catedral de Sevilla. 

Bernd y Hilla Becher: Modelos de interpretación por Horacio Fernández

Bernd e Hilla Becher son dos grandes fotógrafos alemanes que supieron ver en los objetos industriales que le rodeaban los que otros no vieron. Ambos empezaron a trabajar juntos en el año 1959.


El tema que abordan en su fotografía es el mundo de la industria pesada, en el cual los edificios y las construcciones se nos muestran de forma aislada pero con sus elementos característicos definidos por la función que deben desempeñar. Al no aparecer otras referencias, ni siquiera la humana, las construcciones se vuelven intemporales así mismo como únicas. 


Son como retratos a objetos, la persona retratada son en este caso depósitos de agua, castilletes mineros, torres de refrigeración, altos hornos o silos. Pareciera como si los autores quisieran indagar sobre el por qué del objeto representado, cual es la historia que hay detrás de cada uno de ellos, ya que la presentación en serie nos permite ver las similitudes y diferencias entre cada objeto.


Otra idea que gira en su trabajo es en la de plasmar unas construcciones industriales que están condenadas su mayoría a desaparecer por el avance de nuevos métodos de trabajo. El rigor científico con el que lo abordan es destacable, haciendo uso incluso de andamios u otros elementos para conseguir la mejor perspectivas no deformada del objeto, y con la misma intensidad de luz en cada toma, sin presencia de nubes que no añaden información.


Siempre fotografiaron en blanco y negro ya que:


"Al fotografiar en color se extrae un tono que realmente no existe. El carácter estructural se presenta mejor con el empleo del blanco y negro".


Más cercano del movimiento conceptual que del minimalista, sus "esculturas anónimas" es una invitación al espectador a la contemplación de las distintas formas y diseños y así mostrarnos una búsqueda de la esencia de los objetos.


Por último es de destacar su influencia, clara o no, en otros artistas contemporáneos tan reconocidos como Andreas Gursky, Axel Hütte, Thomas Ruff, Candida Höfer o Thomas Struth.